Architetto di impatto: Letitia Fernandez Ivins

Ci sono poche persone al mondo che hanno l'opportunità di gestire l'integrazione dell'arte per un'area come espansivo come quello che Letitia Fernandez Ivins sovrintende e che ha un pubblico che conta milioni di ciascuno settimana.

E non stiamo parlando di uno spazio virtuale in cui le impressioni digitali sono fondamentali, sebbene il suo ruolo attuale implichi la selezione di immagini in movimento di impatto e la gestione di gallerie mobili. L'arte che commissiona può anche allungare diverse storie in alto ed esistere a centinaia di piedi sotto terra, richiedendo riflessioni (e high-stakes) collaborazione con una vasta gamma di parti che parlano lingue in cui Ivins potrebbe non essere fluente ma che deve comprendere un po 'di livello.

Come senior manager di arti e design presso Metro L.A., Ivins lavora per un sistema di trasporto che copre quasi 5.000 miglia quadrate, popolato da quasi 10 milioni di persone. Ora immagina cosa faresti se fossi nel team incaricato di coordinare l'arte pubblica a Los Angeles, per tutto, dalle stazioni della metropolitana alle strutture degli autobus per lo storico

_{Sheila Klein, Ragazza sotterranea, 2000, stazione della metropolitana di Hollywood / Highland}

"Credo che quando le persone vedono l'arte, in particolare l'arte che risuona per loro, si sentono più sicuri. Invia il messaggio che questo spazio, questa piattaforma, questa piazza pubblica, questo treno è il loro, quindi possederlo e salire a bordo. "- Letitia Fernandez Ivins

Hunker ha visitato la madre di due figli nella sua casa di Eagle Rock per saperne di più sul suo ruolo in Metro, perché l'arte pubblica è diventata lei chiamando, quali fattori influenzano la selezione di opere d'arte dell'agenzia della contea e come possiamo farne parte della nostra sensibilità le case.

Teena Apeles: Lavori nella programmazione artistica comunitaria da più di un decennio. Cosa ti ha spinto in questo campo?

Letitia Fernandez Ivins: era cresciuta con un nonno che era un artista che lavorava, a testimoniarlo potenziale percorso e vita, in coppia con la vorace ricerca di mia madre di festival gratuiti e eventi artistici intorno al contea. Sono cresciuto a Los Angeles in quel modo, con un apprezzamento per la diversità culturale... in effetti, la diversità era appena. Detto questo, non mi sono state offerte così tante opportunità nelle arti visive crescendo. Mio padre è uno scienziato e mia madre è un'infermiera, quindi a scuola, la matematica e la scienza erano l'enfasi, ma alla fine ho trovato il teatro come una piattaforma. Le arti dello spettacolo mi hanno mostrato il potere trasformativo di auto-espressione, lavoro di squadra e narrazione e alla fine hanno ispirato le mie ricerche professionali nell'arte e nella cultura.

TA: C'è stato un importante trampolino di lancio che ti ha portato qui?

LFI: Mentre ero studente a Vassar, avevo anche il vantaggio di averne due Stage universitari multiculturali di Getty. Queste esperienze hanno ampliato la mia consapevolezza della vitalità culturale di Los Angeles, dei lavoratori della cultura e del organizzazioni artistiche che non si sono limitate a intrattenere, hanno rafforzato la solidarietà comunitaria e autodeterminazione. E mentre l'ambientazione del museo era nuova, ho capito subito dopo la scuola che volevo lavorare in un ambiente no profit più vicino al suolo, con uno scopo sociale. Il concetto di arte nel regno pubblico mi ha davvero entusiasmato perché ero un appassionato pilota della Metro e sono cresciuto prendendo l'autobus.

Una mattina, sono stato colpito dalla nuova opera d'arte a luce rotante nel mio Metro Stazione Vermont / Beverly e ho pensato: "Qualcuno si preoccupa non solo di portarmi dal punto A al punto B in modo sicuro, ma del mio viaggio intellettuale". Questo altrimenti un'agenzia pubblica invisibile ha accolto con favore la mia soggettività, ritenendo che le persone meritino una bella stimolazione contemplazione. Ero convinto, "Abbiamo bisogno di più. Un giorno lavorerò nell'arte pubblica, un giorno lavorerò per Metro. "

TA: Hai menzionato molta arte e mobilia nella tua casa da tuo marito e sua madre.

LFI: Mio marito, Ed, è un artista, un terapista occupazionale e un falegname. Mia suocera, Jane Greengold, è un avvocato di interesse pubblico e artista pubblica, e lo ha fatto mentre ha cresciuto quattro figli. Quando ho visitato Brooklyn per la prima volta nel 2000, sono uscito alla stazione della Grand Army, Ed ha osservato casualmente: "Mia madre ha fatto quell'opera", ed ero tipo "Cosa? Chi altro c'è dietro questo? "Voglio supportare opere d'arte come questa - accessibili al pubblico, pratiche ma poetiche.

TA: Puoi descrivere le tue responsabilità in Metro?

LFI: Fin dall'inizio della Metro, artisti e opere d'arte sono stati integrati nel design e costruzione di tutti i progetti di capitale - sia per una stazione che per una struttura pubblica che serve autobus o treni. Quando inizia la pianificazione del progetto, lavoro con il nostro team Metro Arts & Design per sviluppare un approccio all'integrazione delle opere d'arte che risponda alla progettazione delle stazioni e al contesto di quartiere. Identificare e realizzare opportunità di Metro art richiede consenso e costruzione di relazioni, valutazioni tecniche di materiali potenziali - metallo, vetro, mosaico, pietra o resina - e recensioni di disegni architettonici per mezzi di trasporto. Guido gli artisti nel loro processo di progettazione, incluso il loro coinvolgimento nella comunità, e supervisiono la fabbricazione e installazione delle opere, interfacciamento con professionisti di diverse discipline e membri della comunità aree di interesse.

TA: La revisione delle informazioni tecniche può essere impegnativa?

LFI: Ci sono sicuramente più lingue in questo lavoro e un certo grado di cambio di codice, non in modo non autentico, solo conoscendo il proprio pubblico per comunicare, non alienarsi. In termini di pezzo da costruzione, è stata una curva di apprendimento entusiasmante. Imparare assolutamente facendo arte pubblica è essenziale. Che si tratti di coordinare un piano di controllo del traffico con un appaltatore e un comune durante un progetto di costruzione o di rivedere una serie di disegni di officine per una scultura significativa. Non si tratta solo di renderlo grazioso, ma di utilizzare materiali in grado di resistere all'usura dell'ambiente di transito e al clima di Los Angeles.

TA: Quante opere d'arte gestisce la tua squadra?

LFI: Abbiamo oltre 300 opere nel nostro sistema, ed è piuttosto una gamma, da stazioni scultoree immersive come Hollywood / Highland con opere di Sheila Klein, dove letteralmente scendi in un bacino simile a una cattedrale verso una serie di vibranti mosaici bidimensionali e pezzi di acciaio smaltato in porcellana lungo la linea Expo.

TA: Klein era a Los Angeles, ma ora ha sede a Seattle. Metro non usa solo artisti locali, giusto?

LFI: Il mondo dell'arte pubblica ha una comprensione reciproca che vogliamo che l'artista di Milwaukee abbia stesse opportunità degli artisti di Los Angeles. Vogliamo che gli artisti di New Orleans abbiano opportunità a New Orleans York. Sia forzati che volontari, anche gli artisti tendono a muoversi molto, e tuttavia hanno forti connessioni con i luoghi da dove vengono o dove sono stati. C'è un potere nel fornire maggiori opportunità a tutti e accogliere un nuovo modo di vedere la tua città. Ora, detto questo, la stragrande maggioranza degli artisti con cui lavoriamo ha sede a Los Angeles, circa il 75 percento. Siamo fortunati ad avere una tale ricchezza di talenti creativi nella nostra regione, quindi raramente dobbiamo guardare lontano. In effetti, abbiamo appena aperto un grande chiama agli artisti visivi!

TA: Gli artisti esterni a Los Angeles si immergono nel quartiere per il quale stanno progettando?

LFI: Sì, tutte le opere di Metro devono essere specifiche del sito, quindi è necessaria una certa quantità di immersione, ricerca, osservazione e coinvolgimento affinché gli artisti possano trarre ispirazione mentre sviluppano progetti. Invitiamo gli artisti a interpretare la "specificità del sito" e a proporre un approccio al coinvolgimento della comunità naturale per il loro processo di creazione delle opere d'arte.

Artista Audrey Chan ha battuto il marciapiede conversando con le persone nel corso di tre anni per creare la sua opera d'arte finale per il futuro Piccola stazione Tokyo / Arts District prevista per l'apertura nel 2022. Nel frattempo, Pearl C. Hsiung, il cui lavoro per la futura Grand Ave / Bunker Hill Station è una rappresentazione altamente astratta di cambiamenti eruttivi nel quartiere, è stata completata in un anno. Il suo impegno nella comunità, coinvolgendo laboratori artigiani legati al concetto dell'opera, sarà orientato verso la gioventù locale e avverrà durante gli anni che precedono l'apertura della stazione anche nel 2022.

TA: Quello che fai è toccare milioni di vite. Puoi parlarci di ciò che informa il tuo processo?

LFI: Ci piace investire tempo nella pre-pianificazione, sviluppare relazioni con i membri della comunità, ascoltare le parti interessate e i ciclisti su cose come ciò che li rende orgogliosi del loro quartiere? Quando se ne vanno, cosa si perdono? Dove vanno per l'ispirazione nella loro comunità? Definire quali sono questi valori e caratterizzarli per obiettivi specifici del progetto. Per il Willowbrook Rosa Parks Station, abbiamo sentito che i membri della comunità vogliono opere d'arte colorate, vivaci e audaci che informino i progetti attualmente in corso.

Chiedo anche alle persone: "Cosa vuoi dalle opere d'arte fare? "piuttosto che" Che cosa vuoi essere? "Quello che sarà sarà il lavoro dell'artista. E chiederò: "Come vuoi che ti faccia sentire?" Questo inizia a darci il materiale, le aspirazioni della comunità e i valori da trasmettere agli artisti che sviluppano concept design.

TA: Come ti senti quando vedi le persone interagire o non interagire con i pezzi?

LFI: È gratificante vedere le persone interagire indipendentemente dalla loro risposta. Alla Union Station, c'è un pezzo in particolare che si trova nel portale est, di Richard Wyatt. Quando discendi Patsaouras Transit Plaza a piedi nel passaggio della Union Station, un enorme murale ti saluta. Vedo la gente alzare gli occhi su quel pezzo ammirando la maestosità di quell'opera dalla sua scala all'esecuzione. Le mascelle cadono e vengono fatti i selfie. E questa è una misura del successo nell'arte pubblica: qualcuno vuole fare una foto con essa?

D'altro canto, abbiamo una serie di cassette fotografiche rotanti temporanee che attraversa quel passaggio [che porta ai tunnel del treno], e attualmente presentano donne che lavorano alla Metro. È chiamato Movimento in avanti di Michele Asselin, ed è stato ispirato dal nostro Consiglio direttivo delle donne e delle ragazze, che si concentra sul modo in cui Metro soddisfa le esigenze specifiche di donne e ragazze, dall'occupazione all'esperienza del ciclista, e tutto il resto.

TA: Questo include la sicurezza?

LFI: Sì, questo è il numero uno per Metro. Siamo particolarmente interessati a come, quando e con chi le donne cavalcano in modo da poter meglio adattare il loro stile di vita garantendo al contempo che si sentano al sicuro.

TA: Come si misura il successo di un progetto o si tratta anche del successo?

Le opere d'arte della metropolitana sono beni della comunità. Possono essere installati per 25 anni o più. Pensiamo a come queste opere d'arte possano rimanere rilevanti per i quartieri nel tempo. Mentre c'è molto spazio per crescere quando si tratta di sviluppare un approccio condiviso alla valutazione nel campo dell'arte pubblica, questa mancanza di l'uniformità è indicativa del fatto che ogni progetto ha obiettivi specifici per la comunità, pertanto richiedono misure specifiche per progetto successo. Siamo stati in grado di promuovere l'orgoglio civico, siamo stati in grado di creare qualcosa di vibrante, siamo stati in grado di onorare i Parchi Rosa? Questi obiettivi sono specifici per determinati quartieri. Siamo stati in grado di sollevare storie poco conosciute? Sai che quelle sono le misure qualitative del successo.

In termini di guida, non creiamo un collegamento causale "più persone vanno a questa stazione perché le opere d'arte sono migliori" ma, piuttosto, il Metro Art Program fa parte della suite di soluzioni che migliorano e ravvivano l'esperienza del ciclista. Quando si tratta di valutazione, potrei chiedere: "Stiamo facendo un buon lavoro per far sentire le persone benvenute, sentirsi al sicuro?" Credo che quando le persone vedono l'arte, specialmente l'arte che risuona per loro, si sentono più sicure. Invia il messaggio che questo spazio, questa piattaforma, questa piazza pubblica, questo treno è il loro, quindi possederlo e salire a bordo.